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Em uma longa entrevista Anthony Rother fala sobre sua carreira, antigos projetos e de seu mais recente álbum Robo Pop.


 


Abaixo uma adaptação da entrevista orginalmente publicada no site Faze Mag


Da auto imposta entrevista-isolamento para a capa da FAZEmag:


O catalisador para a agradável retomada do contato foi o resultado da pesquisa anual da FAZEmag de 2022. Nela, Anthony Rother foi eleito pelos nossos leitores como o Live-Act do ano de 2022 - uma premiação tão surpreendente quanto motivadora para o artista de Frankfurt. Na véspera de Natal de 2023, seu novo álbum "Robo Pop" foi lançado, sobre o qual discutimos detalhadamente nos lendários estúdios Logic de Offenbach.


Olá, Anthony. Como é a vida no ano de 2090?


Uma pergunta interessante. Eu diria que a vida é basicamente como hoje, apenas mais futurista e distópica. Especialmente com o desenvolvimento da IA, já podemos sentir muito bem o futuro hoje em dia. Para a maioria das pessoas, isso não é tão perceptível no dia a dia, mas as tecnologias atuais dão, na minha opinião, uma prévia muito boa de como o futuro em breve será altamente futurista. No entanto, isso não é perceptível apenas pela inteligência artificial. Também podemos observar na arquitetura e no design da época atual, cujos criadores muitas vezes são inspirados pela ficção científica das décadas de 60, 70 ou 80. A arte molda, portanto, a aparência do mundo e serve como base para os desenvolvimentos técnicos. Um ótimo exemplo, mesmo que seja um pouco óbvio, é o filme "2001" com a inteligência artificial “HAL”, e há muitos outros exemplos. 2090 ainda está muito longe, mas já podemos sentir para onde está indo. A ficção científica se torna realidade, para responder brevemente à pergunta.


Colocamos a pergunta por causa do seu novo álbum 'Robo Pop', que se passa no ano de 2090 e trata de encontros interpessoais e cotidianos bastante normais durante esse período. Para uma dessas faixas, você também fez um vídeo chamado 'Mad World' - ou seja, 'Mundo Louco'. Por que você escolheu exatamente essa faixa para fazer um vídeo e qual mundo, afinal, é louco? O mundo de hoje ou o mundo em 2090?


Sobre o videoclipe de 'Mad World' e também sobre a história do álbum, que começa no presente, na verdade, não quero dizer muito. Os espectadores devem formar suas próprias opiniões. O que posso dizer é que o álbum e a história surgiram durante minha turnê no ano passado. Percebi que, quando estou no palco tocando meus sets híbridos, me sinto como se estivesse em 2090 - em algum lugar de uma megacidade, nos catacumbas ou em um clube subterrâneo de um mundo distópico. Tudo ao meu redor, ou seja, as pessoas e a cena, se sobrepõem à realidade de hoje. É como se houvesse uma fusão entre realidade e ficção, que agora também se reflete no álbum. Há realmente muitas semelhanças, como mencionei no início - em relação à arquitetura e outros aspectos.


Mesmo que não queiramos discutir o conteúdo do vídeo, algo que nossos leitores podem realmente ver por si mesmos, você poderia nos contar um pouco sobre como o vídeo foi criado?


No andar da casa Logic, onde tenho meu estúdio, há um estúdio com um coletivo de jovens artistas criativos. Entre eles, estão os rapazes da empresa de cinema ENLIGHT. Cruzávamos caminhos frequentemente pelo corredor e, um dia, comecei a conversar com o Timo (Timo Schlenstedt da ENLIGHT), e rapidamente percebemos que ambos nos interessamos por temas futuristas e desenvolvimentos tecnológicos. Ele me mostrou seu curta-metragem 'Digital Eden', e eu mostrei minha música para ele, e foi aí que decidimos que poderíamos fazer algo juntos. Foi assim que surgiu o vídeo para 'Mad World'. A equipe da ENLIGHT produziu o vídeo e parte do coletivo colaborou nele. Vamos ver o que faremos juntos no futuro."

Sem passado não há futuro, sem realidade não há utopia. Notei que na faixa 'Don't Give Up' aparecem muitos elementos da história da música eletrônica. E isso em uma combinação que talvez não fosse esperada de Anthony Rother. Há, por exemplo, esta parte que soa um pouco como B.G. Prince Of Rap. Conte-nos algo sobre essa faixa em particular e também sobre a abordagem geral do álbum.

Nos últimos anos, tenho me concentrado muito nesse estilo de electro - em diferentes direções. No ano passado, lancei o álbum 'A.I. Space', que inclui duas faixas que poderiam ser descritas como Electro-Pop. Em seguida, as integrei ao meu set híbrido e percebi que era uma peça importante para completar o conjunto híbrido. Entre todo o electro distópico monótono, foram esses dois momentos emocionais durante o set que proporcionaram o contraste necessário. Percebi que queria mais dessas faixas e me propus a produzir um álbum de Electro-Pop ainda em 2023. Queria mais vocais e adentrar mais fortemente no aspecto humano. 'Don't Give Up' se encaixa muito bem nesse esquema com os vocais e a linha de ácido. A faixa deve dar energia e força e descrever situações na pista de dança do clube, quando as pessoas estão dançando. Ao mesmo tempo, também é aplicável à vida cotidiana, a crises profissionais ou pessoais. A faixa me apontou uma direção, que segui, e foi muito influente para mim.


Agora, acontece que você já produziu muitos grandes sucessos com vocais que seguem essa direção e seriam ótimos para seus sets híbridos. No entanto, parece que você deixou isso para trás e não está mais considerando essa opção. Achamos isso lamentável. Por quê?


Existem muitos fatores. Em 2016, planejei meu primeiro set híbrido e, em 2017, decidi não tocar mais músicas de techno. Eu queria ir completamente na direção do electro. O som de músicas como 'Father' ou 'Back Home' simplesmente não se encaixava mais. De 2013 até cerca de 2017, senti que estava artisticamente estagnado e não estava experimentando desenvolvimento. Eu estava como preso em uma imagem congelada e estava tentando sem sucesso renovar o som Datapunk. Pelo menos, era assim que eu pensava na época, mas agora não vejo mais isso de forma tão crítica. Depois disso, experimentei alguns anos reais de liberdade e agora estou observando para onde minha jornada está me levando. No entanto, não haverá retorno.


Você ganhou no ano passado em nossa enquete anual na categoria 'Melhor Live-Act', mesmo que na verdade você mal faça shows ao vivo. Em vez disso, você toca sets híbridos. O que exatamente isso significa?


Para mim, sets híbridos são performances ao vivo que usam tecnologia ao vivo mínima e são principalmente orientadas à técnica de DJ. Basicamente, meus sets híbridos são uma representação do meu trabalho artístico como um todo. As pessoas podem ver nas redes sociais como trabalho no estúdio e produzo minhas faixas, que depois apresento no palco do clube. A experiência que ganho nos clubes ou nos palcos alimenta novamente minha atividade de produção no estúdio. Todas as minhas ideias surgem dessa maneira - desde o título do álbum até minhas visões e sentimentos. Até mesmo os movimentos de dança foram criados aqui no estúdio durante a pandemia. Me vejo como uma encarnação do electro dos anos 80, combinado com uma performance atual, com influências do techno. Com os movimentos, descrevo os sons e ritmos que criei no estúdio. Eu os visualizo.


São os Live-Acts muito trabalhosos ou entediantes para você?

 

Embora eu ainda tenha meu set ao vivo, ele é basicamente uma reprodução do que produzi. Um set híbrido é muito mais ágil e pode incluir músicas que têm um caráter funcional e não são adequadas para o set ao vivo. Isso me impulsiona como artista. Eu nunca pensei que teria outra fase tão criativa - e na verdade, está apenas começando agora, já que agora entendi exatamente o que estou fazendo.


Vamos destacar uma dessas experiências: sua apresentação no Fuse em Bruxelas. Talvez você possa descrever aos nossos leitores, em retrospectiva, como foi essa apresentação?


Na verdade, não quero falar sobre uma experiência singular, já que, como disse, tudo está interconectado. Cada show aprimora minha performance e meu set híbrido de uma maneira única. Mas é claro, antes do show no Fuse, eu estava muito animado, apenas por causa da minha história com o clube: em 2002 e 2003, toquei sets ao vivo lá e foi lá que nasci como artista (ao vivo). As pessoas me deram uma energia incrível lá, algo que eu não havia experimentado antes. Também foi um pouco a transição da fase electro para a fase Datapunk. Com o Fuse, compartilho uma grande história emocional. Em 2023, foi uma experiência completamente diferente, pois como artista, passei por uma transformação e o clube também havia mudado. A apresentação reafirmou minha crença no que faço. A pergunta 'Acredito no que estou fazendo?' sempre paira sobre essas apresentações, e cada vez mais acredito. A imagem está se tornando mais clara e estou feliz e grato que tantos organizadores estejam interessados em apresentar algo diferente às pessoas. O set do Fuse representa bem o meu ano de 2023. Agora vem o álbum e novas influências estão surgindo novamente - não mudanças radicais, mas nuances.


Isso significa que seu set híbrido poderia ficar mais pop?


Não, não mais pop. Vou manter a proporção atual, mas talvez troque algumas faixas. Quero experimentar e brincar com a atmosfera. É exatamente essa falta de saber o que vai acontecer que me fascina. Neste ponto, também gostaria de destacar a diferença em relação aos meus sets ao vivo, nos quais era exatamente o oposto, já que eu sabia exatamente o que iria tocar e apenas reproduzia as faixas, o que também era muito mais demorado.


O termo 'Pop' permeia seus lançamentos. Em 2001, você teve um grande sucesso nas pistas de dança com 'Electro Pop' como Little Computer People. Em 2004, foi lançado o primeiro álbum 'Popkiller', seguido pelo segundo em 2010. Agora surge 'Robo Pop'. 'Pop' representa a música popular. Maldição ou benção? Parece que essa expressão te afeta profundamente?


Cada uso do termo 'Pop' tem sua própria história. 'Electro Pop' foi a ideia musical básica naquela época, na qual eu me dediquei criativamente. 'Popkiller' foi mais uma coincidência, já que eu conhecia esse termo como uma designação adicional para um protetor pop e achei o jogo de palavras 'Popkiller' adequado para a atitude do som Datapunk naquela época. Eu havia usado o termo 'Robo Pop' há alguns anos para uma música e achei perfeito agora usá-lo como título para o novo álbum, para dar ao amplo espectro sonoro das faixas o enquadramento adequado.


Neste ano (2024), marca-se o 50º aniversário do lançamento de 'Autobahn'. O Kraftwerk te inspirou no passado, chegando até a reinterpretar algumas de suas músicas. Como você avalia a importância do Kraftwerk para a cena techno?


O grupo Kraftwerk e o cineasta e músico John Carpenter são as influências mais importantes em meu desenvolvimento como artista. Quando se trata da importância da influência na cena techno, é claro que o Kraftwerk é especialmente importante. Com tantas informações disponíveis online hoje em dia, gostaria de mencionar também Karlheinz Stockhausen, Pierre Henry e Pierre Schaeffer. Mas a influência mais importante e direta na cena techno é a história do techno de Detroit e os contextos culturais que levaram ao surgimento do techno em Detroit. Recomendo a todos que se interessem por isso, que se aprofundem na história de Detroit.


Nas redes sociais, as pessoas praticamente podem te observar produzindo suas faixas. De certa forma, você criou sua própria versão das redes sociais, muito voltada para as necessidades do seu público. Como você teve essa ideia?


Exatamente, nas redes sociais, as pessoas podem praticamente acompanhar meu caminho artístico em tempo real. Elas veem no que estou trabalhando, o que acaba se transformando em um álbum ou aparece em outros selos. Comecei com isso por volta de 2014/2015, inicialmente experimentando com vídeos no Facebook. Naquela época, no entanto, não era muito refinado, em parte devido à má conexão com a internet e ainda sem um verdadeiro nível de expressão artística. Isso mudou com a pandemia, a mudança para um novo estúdio e internet mais rápida. Percebi cedo que isso era um novo nível de expressão criativa para mim. Eu uso as redes sociais não apenas para me apresentar como artista e performer, mas também para escrever meus pensamentos e compartilhá-los com as pessoas.


De fato, é bastante raro ver uma troca tão intensa entre artista e público nas redes sociais. Isso se trata apenas de Anthony Rother ou às vezes envolve outros artistas?


Naturalmente, ocasionalmente surgem colaborações ou algo semelhante dessa maneira, mas para mim, o principal é sair da minha zona de conforto e relatar o que está realmente acontecendo dentro de mim enquanto faço isso. Minhas intenções e pensamentos desempenham um papel fundamental nesse sentido, para avançar para novas esferas dentro do espaço criativo em que estou. Fazer música é apenas uma pequena parte. A maior parte é como minha vida está organizada, para que eu tenha a liberdade de agir de forma tão ingênua aqui no estúdio, capturar o mundo de uma forma um tanto criptografada e descrevê-lo usando máquinas como sinônimo de coisas humanas ou narrativas humanas, para expressar sentimentos. Portanto, as redes sociais não são apenas relevantes para relações públicas para mim, mas também um instrumento criativo - talvez até um tipo de diário. Quem sabe, talvez um dia eu compile tudo o que escrevi até agora em um único PDF, que então pode ser traduzido instantaneamente para todos os idiomas do mundo por IA com o toque de um botão.


Nos primeiros anos da sua carreira, você ganhou uma reputação de ser crítico em relação à tecnologia, em parte devido a alguns samples que usou. Atualmente, isso não é mais assim, ou estou enganado? No entanto, você também mencionou que está tentando fazer um 'detox' digital em relação às redes sociais. Explique-nos sua relação ambivalente com a tecnologia.


Minha crítica à tecnologia é mais de natureza distópica. Não sou um opositor ou ativista. Sou muito interessado em tecnologia e uso os equipamentos musicais mais recentes para fazer música. Estou interessado nos mais recentes desenvolvimentos tecnológicos em todas as áreas, especialmente em computação e desenvolvimento de software, como inteligência artificial. Meu 'detox' digital atualmente se refere ao consumo de mídia digital ou textos na internet. Percebi que havia ultrapassado o limite saudável e que, como ser humano moderno, preciso lidar com esse excesso de forma mais responsável e controlada. Não é uma descoberta nova, mas agora também me afetou. Por causa disso, percebi que preciso me reduzir mais; estou descobrindo como fazer isso.


Mas isso me trouxe um novo interesse por mídias físicas como livros ou revistas, que podem ser importantes para um certo bem-estar emocional. Agora, vejo novamente o valor de uma edição que faz uma seleção qualitativa para mim, o que me parece atraente. Há apenas uma semana, eu pensava de forma diferente; estou curioso para ver onde isso me levará. Mas para mim está claro que não estou mais disposto a simplesmente desperdiçar meu tempo de vida na internet.


Falando em tecnologia. Você se autodenomina um pequeno nerd da tecnologia, e seus dispositivos analógicos são parte essencial do seu trabalho. Você gostaria de nos levar em uma pequena jornada por sua paisagem de dispositivos?


Isso está correto, eu prefiro trabalhar com hardware. Gosto de trabalhar fisicamente, mover-me no estúdio e girar muitos botões ao mesmo tempo. Além disso, venho de uma época em que se trabalhava com hardware. Claro, é mais complexo do que o trabalho atual 'na caixa', mas fazer música com o mouse realmente não é minha praia. Uma lista completa do meu equipamento certamente seria extensa, mas quem estiver interessado pode verificar minha página no Bandcamp nos diferentes álbuns e ver a descrição dos textos. Lá, está detalhado com quais dispositivos fiz cada faixa.


De improviso: Com quais dispositivos você fez "Don't Give Up"?


Com o MODOR DR-2 Drumcomputer e o sintetizador SOLAR 50 da Elta - um fabricante ucraniano.


Não vejo nenhum 303 aqui?


Eu sempre quis comprar um, mas hoje em dia, os modelos colecionáveis custam muito caro, e eu não estou disposto a pagar esse valor. Mas é claro que tenho um clone.


Você agora controla completamente a distribuição da sua música no Bandcamp. A maioria dos lançamentos é feita através do seu próprio selo, mas você ainda faz colaborações com outros selos de vez em quando. Você poderia nos dar um pequeno resumo?


Ano passado, lancei meu EP "BM9" na Bad Manners do Marcel Dettmann, cujo processo de criação acompanhei detalhadamente nas redes sociais. No início do ano, a faixa "XOR-909" foi lançada como parte da compilação de aniversário da skryptom, e produzi um EP com o Danny Daze na System 108 de Moscou antes da guerra. Recentemente, também participei da nova compilação da Clone em comemoração aos seus 30 anos. Todas essas colaborações surgiram de contatos pessoais. Marcel Dettmann me convidou para tocar no Berghain, Antoine da skryptom estava comigo no Kilomètre 25 em Paris, e o Serge, o chefe da Clone, me visitou no festival Dekmantel. É muito importante para mim conhecer as pessoas com quem colaboro antes. Isso adiciona um grande valor para mim, já que a indústria da música hoje em dia é realmente difícil.


Um bom ponto: Você costumava ter a reputação de ser difícil. Como isso aconteceu?


É difícil dizer. Eu venho de uma escola de techno muito consistente, com uma filosofia underground clara e rigorosa. Isso foi uma espécie de guia para mim, e eu mantive e cultivei essa atitude por muito tempo. Quanto mais tempo passei na cena e viajei pelo mundo, mais percebi que a maior parte dessas regras e máximas são bobagem. Julgar alguém apenas pelo gosto musical é simplesmente estúpido. Então, aos poucos, tentei deixar isso de lado, mas nem sempre funcionou. Por exemplo, houve uma vez uma estação de rádio de Frankfurt que estava curando uma compilação e queria licenciar "Father" a todo custo. Eu me opus, porque achava que a estação era comercial demais para o meu gosto. Essa espécie de "zanga" é provavelmente o que levou as pessoas a me considerarem às vezes difícil. Claro, tenho minhas próprias opiniões, sou uma pessoa que ama sua liberdade, e isso pode transparecer aqui e ali, já que me senti rapidamente reprimido, embora talvez não tenha sido essa a intenção. E, claro, também não sou perfeito, como todo mundo tem seus defeitos.


Na verdade, você parece muito relaxado ultimamente. Isso talvez tenha algo a ver com sua nova realização artística? Você parece estar em paz consigo mesmo.


Acho que você acertou em cheio. Quando penso nos tempos da Datapunk, por volta de 2006/2007, havia muita responsabilidade e pressão sobre mim, com as quais talvez eu não lidasse muito bem. Eu tinha funcionários, tinha estagiários, alguns deles muito jovens e completamente incapazes de lidar com críticas. Eu simplesmente percebi que não estava pronto para isso, mas sobrecarregado. A Datapunk explodiu naquela época e, em seguida, desmoronou tão rapidamente quanto cresceu. Foi um período em que eu estava muito fora de mim. Quando tudo acabou com a Datapunk, a agência de reservas e tudo mais, eu desapareci na Índia para colocar a cabeça no lugar. Levei pelo menos cinco, seis anos para processar tudo isso. Parece que faz parte do pacote, considerando o que li em outras biografias de artistas. Primeiro o foguete sobe e depois vem a queda profunda.


O que é diferente hoje?


Eu construí meu sistema de forma que ninguém dependa de mim e examino todas as conexões que faço com os outros com muito cuidado antecipadamente. Colaborações com outros sempre significam que existem duas opiniões, e eu simplesmente não quero mais que alguém fique bravo comigo só porque temos visões diferentes. Também aprendi a comunicar tudo diretamente e a colocar todas as cartas na mesa imediatamente. Não tenho mais paciência para mal-entendidos. Nos tempos do Datapunk ou do meu selo de electro, muitas vezes acontecia de as expectativas dos artistas não serem atendidas, e quando isso acontece, fica claro quem é o culpado. Eles muitas vezes despejavam sua insatisfação em mim e só mais tarde percebiam que, no fundo, eu estava sendo justo com eles.


Vamos falar novamente sobre o seu álbum. Você diz que não tem certeza se talvez tenha ido longe demais com os sons mais pop. De onde vêm essas dúvidas silenciosas?


Como eu disse anteriormente, fiz o álbum com a premissa de produzir algumas faixas de Electro-Pop que eu pudesse integrar ao meu conjunto híbrido. De alguma forma, esse pensamento me escapa repetidamente, e me pego me perguntando: "Será que acabei indo para a direção errada? Será que isso está seguindo em uma direção comercial que eu realmente não quero seguir?" Como artista, é natural ter dúvidas sobre cada produto, e elas vêm e vão. Acho que este álbum é um pouco mais pesado nesse aspecto, porque saí da minha zona de conforto e fiz algo que ultrapassa os limites do Electro padrão. Não se sabe o que vai acontecer, e estou lidando um pouco com essa incerteza no momento, mesmo que esteja totalmente convencido do álbum como um produto musical.


Fonte: Faze.Mag
















 

 

 

 

 

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